Warfare – Tempo di guerra
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Recensione
Ci sono registi che la guerra la filmano, e registi che la sezionano. Alex Garland preferisce farci finire dentro il suo corpo malato, lasciandoci annusare il sangue rappreso, il sudore, la paura, il clangore ossessivo delle armi, senza mai concederci il sollievo di un campo lungo o di un’idea romantica di eroismo. Warfare – Tempo di guerra non è dunque un war movie nel senso classico: è un’esperienza. Un dispositivo. Un corridoio in cui l’aria si fa più densa, il tempo più stretto, e i confini tra corpo, arma e ambiente diventano porosi.
Garland, insieme al co-regista Ray Mendoza, ex membro dei corpi speciali della Marina americana, costruisce un film che non “interpreta” la guerra: la ricorda. E il ricordo, come spesso accade nei reduci, è intermittente, sporco, sincopato. La narrazione avanza per frammenti sensoriali, per lampi, per improvvise esplosioni di caos che non sono mai spettacolarizzate ma sempre radicate nella fisicità. Una grammatica che sfugge all’ordine e si piazza in quella zona di confine dove il cinema bellico incontra il body horror, con l’occhio della cinepresa che scruta più i corpi che le strategie militari, più le reazioni chimiche dello stress che gli obiettivi da raggiungere.
Il film apre con una sequenza di rara potenza simbolica: i soldati, in caserma, guardano il videoclip Call on Me di Eric Prydz. Non è un vezzo pop né un momento di alleggerimento. È una dichiarazione di poetica. Garland accosta la cultura visuale occidentale — ipersessualizzata, ripetitiva, ansiogena — al mondo dell’addestramento militare, suggerendo che la guerra non è solo un dispositivo geopolitico, ma anche una forma di dipendenza iconografica, un prodotto culturale che ci viene introiettato a colpi di schermo. La guerra come playlist, come loop visivo, come sottofondo di un’identità nazionale sempre più sfilacciata.
Da quel momento in poi, il film procede come un’immersione claustrofobica nella missione dei protagonisti. Le scelte registiche sono chirurgiche: camere addosso ai volti, suoni che arrivano distorti, comunicazioni radio che si perdono, flash delle esplosioni che saturano il sensore. Tutto vive nella zona liminale tra documentario e allucinazione, come se Garland volesse impedire allo spettatore qualsiasi forma di distanza critica. Non stiamo “osservando”: stiamo subendo.
Il grande merito del film — e ciò che lo distingue nel panorama del cinema bellico contemporaneo — è la sua capacità di trasformare ogni scena in un nodo percettivo. Non c’è catarsi, non c’è gloria, non c’è retorica. Solo un continuo attrito tra vita e morte, tra obbedienza e istinto, tra identità individuale e annullamento. E in questo la mano di Mendoza si sente: gli attori sembrano reagire più che recitare, come se evacuassero ricordi invece di interpretare battute.
Detto ciò, Warfare non è un’opera priva di incrinature. Garland resta un autore coerente, ma a volte prigioniero delle proprie ossessioni. Il finale, in particolare, apre più domande sulla genuinità del progetto che risposte sul percorso dei personaggi. L’idea alla base della pellicola, pur potentemente eseguita, non brilla per originalità e non spinge il film oltre il recinto dei suoi temi più canonici.
Ma quando Warfare funziona — e funziona spesso — ha la capacità rara di mostrare la guerra non come un evento, ma come uno stato mentale, una condizione culturale, una vibrazione che infetta chi la vive e chi la racconta. Il cinema di Garland incontra qui un pubblico più ampio senza perdere incisività, e questo non è un risultato da poco.